RESUMEN BÁSICO DE ARQUITECTURA BARROCA

Arquitectura barroca

     (2ª mitad  s. XVI a 2º tercio XVIII)

“Barroco” término que procede de “barrueco” portugués = irregular, artificioso.


Componentes principales de la estética barroca:

• Evolución de las formas renacentistas

• Contrarreforma= lujo, efectos visuales de la liturgia

• Absolutismo= boato y lujo de la corte.

Características:

a) Desarrollo tanto del conjunto del edificio como de los detalles.
b) Auge de la curva, la contracurva, la espiral, la línea sinuosa en entablamentos, frontones, plantas, fachadas, cúpulas ovales, etc. En general hay sensación de inestabilidad, mvto. y capricho.
c) Decoración con elementos vegetales cada vez más naturalistas.
d) Los muros dejan de ser rectos y las salas ortogonales (sensación de movimiento y juego.)
e) Efectos de luz y juegos de perspectiva.
f) Ilusionismo en los interiores de las cubiertas = el espacio interior invade el templo: barroco decorativo.

Escuelas o centros de actividad:

Roma:

•  Ejemplo en el XVI y principios del XVII por transformación de la ciudad cambiando su ornamentación con fuentes ,arquitecturas efímeras, estatuas, obeliscos como puntos de orientación perspectívica.

•  Principales plazas ordenadoras de la ciudad: Navona, San Pedro (vestíbulo del Vaticano) y del Pópolo (ingreso a la ciudad).

• Principales arquitectos: Maderna (termina San Pedro del Vaticano), Bernini (plantas centralizadas tanto en plaza del Vaticano como en iglesias como la Asunción de Ariccia y San Andrés del Quirinal) y Borromini (hereda la monumentalidad de Miguel Ángel y el gusto por la alteración de la norma en San Carlos de las 4 fuentes y San Ivo Della Sapienza).

• El modelo de planta a seguir en los templos barrocos contrarreformistas es el del Gesú.

Francia:

• Arquitectura al servicio del rey siguiendo las normas clasicistas de la Academia parisina. 

• En el s. XVII el primer ministro Colbert remodela  París con bulevares como los Campos Elíseos y avenidas radiales. 
• Grandes palacios barrocos borbónicos donde el jardín adquiere especial relevancia. Grandes escalinatas en los vestíbulos. Retoma la propuesta renacentista de dividir en altura con dos cuerpos principales; el bajo almohadillado y el superior con pilastras o columnas adosadas o exentas que organizan las ventanas y que sustentan una cornisa con balaustrada y esculturas. Influirá en las casas reinantes europeas en el XVIII.

• Principales arquitectos  Perrault (palacio del Louvre) y  Mansart (palacio de Versalles e iglesia de los Inválidos de París)

España:

Las manifestaciones principales son religiosas (jesuitas) y cortesanas.
  Etapas diferenciadas:

1.  En el primer tercio del s. XVII, sobre todo en Castilla, hay una gran influencia de la sobriedad herreriana y la decoración propia del Barroco se concentrará en las Fachadas. Destacan Gómez de Mora (fachada del convento de la Encarnación de Madrid, la antigua Cárcel de la Corte , la Plaza Mayor, el ayuntamiento madrileño y la Clerecía de Salamanca), Pedro Sánchez (las influencias romanas se notan en la planta oval insertada en un rectángulo de San Antonio de los Portugueses) y Francisco Bautista (antigua catedral de San Isidro)
2. En la segunda mitad de siglo la decoración se recarga (columna salomónica, decoración orgánica, fachadas, balcones destacando como esculturas sobre fondo liso…) y se extiende desde los retablos del interior a las fachadas exteriores.

        Son los arquitectos principales: los Churriguera (retablo mayor del       convento de San Esteban en Salamanca, ayuntamiento y plaza mayor de la misma ciudad y palacio del Nuevo Baztán de Madrid) y Pedro Ribera (antiguo Hospicio de Madrid en calle Tribunal, cuartel del Conde Duque y puente de Toledo).También resaltan   la Fachada del Obradoiro compostelana de Fernando de Casas y Novoa y la Basílica del Pilar de Zaragoza.

    3.  En el siglo XVIII, con el cambio de dinastía, la influencia será francesa: Palacio Real de Madrid (Juvara y Sacheti), palacio real de Aranjuez (Sabatini y Bonavia) y palacio de la Granja de Segovia (Juvara y Ardemans).

RESUMEN BÁSICO DE LA ESCULTURA BARROCA

Escultura barroca

La estética promovida por el Concilio de Trento es naturalista. 

• El arte sacro debe tener claridad, sencillez para ser comprendido fácilmente, tiene que enseñar y estimular a través de los sentidos la piedad popular.

• La Iglesia  y la Monarquía se servirán de la mitología y las alegorías para proclamar sus virtudes, superioridad y poder (sepulcros papales, estatuas ecuestres, retratos, etc. )

• Se explota el aspecto teatral de la obra, se realizan “representaciones” escultóricas donde la arquitectura está al servicio de la escultura.

Los materiales son preferentemente el mármol, alabastro y bronce en Italia y Francia y la madera policromada y telas en los retablos y pasos procesionales españoles. Tambien se desarrollará mucho la orfebrería (marfil, oro, plata, cristal) en custodias, relicarios, crucifijos, sagrarios… y las arquitecturas efímeras de estuco y cartón como decorados de todo tipo de celebraciones.

Al contrario que lo que proponía  Miguel Angel (escultura es todo donde hay que quitar) se desarrolla la idea de acumular, añadir e integrar materiales, colores, texturas etc .

A fines del siglo XVI Bernini y el taller romano barroco se extiende por Europa de manera que en el X VII y XVIII coexisten dos escuelas influenciadas por Roma:

1. La francesa, más clásica en la forma, al servicio  del monarca absoluto que evolucionará hacia el preciosismo y decorativismo rococó .Destaca Girardon y su "tumba de Richelieu"
2. La española más naturalista y religiosa (imaginería).

BERNINI

Máximo representante de la escultura barroca italiana y principal heredero de la maestría de Miguel Ángel. Utilizó el mármol y el bronce y contó con una clientela elitista ente la que se encontraron diferentes Papas.

Características: -

• Movimiento y tensión de las figuras desplazado hacia el exterior.

• Gran maestro en plasmar calidades

•  Ropajes ampulosos, con mucho cuerpo, telas hinchadas, remolinos múltiples ,plegados, etc...

•  Expresiones exaltadas (arrebatos místicos).

•   Elige las composiciones más dinámicas para sus temas y los momentos más espectaculares de las historias.

Obras: David, Apolo y Dafne, Éxtasis de Sta. Teresa, monumento funerario de Urbano VIII, beata Albertona, cátedra de San Pedro, etc . ..

ESCUELA ESPAÑOLA

Aunque la monarquía y alta nobleza siguen encargando a los italianos y franceses las grandes esculturas en bronce y piedra (ej. esculturas ecuestres de Felipe III y Felipe IV en bronce en las plazas Mayor y de Oriente de Madrid respectivamente y el conjunto del Transparente de la catedral de Toledo), destaca la imaginería religiosa en madera policromada. Casi siempre es exenta , realista y se manifiesta en retablos, pasos procesionales y belenes sobre todo.

Sobresalen dos talleres o escuelas, el castellano y el andaluz.

Taller castellano: más dramático(figuras dolientes que mueven a la compasión), el dolor y la angustia  predominan sobre el interés por la belleza. El mayor artista es Gregorio Fernández que representa la transición entre las formas renacentistas y la expresividad barroca. Inaugura el tema del Cristo yacente.

"La Piedad"

Taller andaluz: Formas mas serenas que buscan la corrección y la belleza. Figuras elegantes con ropajes suntuosos (utilizan la  técnica del estofado). Los principales artistas son Martínez Montañés( con sus Inmaculadas capta la devoción más por la belleza y dulzura que con el dolor), Alonso Cano y Pedro de Mena (Magdalena penitente)

Taller murciano del siglo XVIII encabezado por Francisco Salzillo. Composiciones más complejas, con muchas figuras y carácter didáctico. Figuras esbeltas y desnudos clásicos."Oración en el Huerto", Belenes,"Beso de Judas", "Ultima cena"....

PLANTAS DE TEMPLOS ITALIANOS BARROCOS

ITALIA

1. BERNINI

Alzado de San Andrés

 San Andrés del Quirinal (Roma)

Estudio de proporciones de la Basílica de San Pedro y plaza

     2.   BORROMINI

San Carlos de las Cuatro Fuentes

San Ivo de la Sabiduría

Oratorio de los Filipenses

Santa Inés

  3.  GUARINO GUARINI

Cúpula Sto. Sudario

4. Otros:

Sta. Mª de la Salute Venecia XVII LONGHENA

Basílica de Superga Turín XVIII JUVARRA

 

ESQUEMA DE PINTURA BARROCA

PINTURA BARROCA

Características :

1.      De la época:

Ø  Propaganda de la Iglesia (Contrarreforma) y el poder monárquico (Absolutismo).

Ø      Gustos escenográficos y teatrales (literatura)

Ø      Realismo y fidelidad al mensaje para resultar mas cercano e inteligible para el pueblo; llega a resultar desagradable (muerte, martirio...)

Ø      Coleccionismo y mecenazgo.

Ø      Preeminencia italiana.

2.      Estéticas:

Ø      Composiciones movidas y complejas (en aspa y en diagonal)

Ø      Preeminencia del color sobre el dibujo .

Ø      Carácter escenográfico

Ø      Frescos y lienzos

Ø    Se tiene en cuenta el lugar arquitectónico donde se va a colocar.

Ø    La luz es importante en la composición, para potenciar el mensaje y el color. Puede ser inventada o real, natural o artificial, proveniente de un solo foco o lugar o de varios, pero siempre indispensable.

3.      Temas:

Ø     Religiosos (Reforma y Contrarreforma)

Ø    Mitológicos(decorativa y alegorías morales y propagandísticas)

Ø     Retrato ( de aparato)

Ø    Pintura de género sobre todo en la protestante : interiores, bodegones (naturalezas muertas) y paisajes.

Escuelas:

ITALIA

Ø      Naturalismo: No se escoge de la realidad, mostrando incluso lo feo e imperfecto. Fuertes contrastes lumínicos entre luces y sombras (TENEBRISMO), con especial repercusión en España.

Destaca especialmente Caravaggio.

Ø      Clasicismo: Recoge la mayor influencia del Renacimiento a través de la Academia de Pintura romana: Belleza ideal, equilibrio, dominio de las pasiones... . Mezcla la influencia de los grandes del Renacimiento con la teatralidad y el dinamismo barroco. Destaca Annibale Carracci y Guido Reni.

Ø      Barroco Decorativo: Íntimamente unido a la arquitectura y a la idea del Ilusionismo y trampantojo. Sobresalen Pietro da Cortona, Lucas Jordán, Andrea del Pozzo y Juan Bautista Tiépolo.

FRANCIA

En general tiene influencias italianas, sobre todo del Clasicismo: Claudio de Lorena y Nicolás Poussin.

Ø      Rococó: (o Pintura Galante) es un estilo dentro del barroco, de la segunda mitad del s. XVIII y de la última corte borbónica francesa (Luis XV y Luis XVI). Se caracteriza por el refinamiento, intimismo y decorativismo. En general hay frivolidad en los temas, que son intrascendentes, anecdóticos y agradables. Sobresalen Watteau, Boucher y Fragonard.

FLANDES

Los autores principales son Pedro Pablo Rubens y sus discípulos Van Dyck y Jordaens.

El primero , más importante, tiene un gran éxito muy pronto y hará muchos viajes como pintor y embajador por todas las cortes europeas (España). Tiene acceso a todos los maestros y escuelas . Se caracteriza por su aparatosidad compositiva, su corporeidad carnal y sensualidad y por su dominio del dibujo (escorzos) y el color. En su taller , casi factoría, tiene muchos colaboradores.

 Uno de ellos es Van Dyck que triunfa  en la corte inglesa con sus retratos elegantes, distinguidos y favorecedores que crearán escuela. Él y sus discípulos inician la escuela inglesa de pintura.

HOLANDA

El ser protestante e independiente de España marcará su pintura que desaparece de los templos pasando a ser adorno en las casas burguesas , ayuntamientos y sedes de gremios. Heredera de la escuela flamenca.

Tiene mayor influencia del Naturalismo. Prolifera la pintura de género, intimista, sencilla, detallista , con temas cotidianos y retratos muy veristas. La pincelada es muy suelta y deshecha.

Los grandes maestros son Rembrandt, Frans Hals y Vermeer de Delft.

  

ESPAÑA

Características:

Ø      Influencia el Naturalismo italiano : apego a la naturaleza, realismo en los tipos y en la interpretación. 

Ø      Temática religiosa o retrato de aparato (los Austrias defensores del Catolicismo)

Ø      Coleccionismo  de Felipe IV

Ø      Pintura “silenciosa” (sin extremismos y con emoción)

Ø      Sin interés por composiciones novedosas  y complicadas: sencillez.

Ø      La transición del Manierismo al Barroco realista se hace a través del tenebrismo de Caravaggio en Nápoles.

Ø      Destacan tres focos de actividad: Valencia , Sevilla y Madrid.

Foco de Valencia: Protagonizado por  Fco. Ribalta y José de Ribera (el Españoletto), introductores del naturalismo y tenebrismo en España. Se caracterizan por ser los mayores, por aprender en Italia (Roma y Nápoles),y por su  misticismo, religiosidad , tenebrismo y tipos penitentes arrugados y hambrientos.

Foco de Sevilla:

a.      Fco.  De Zurbarán. Extremeño, sus clientes son conventos y monasterios: figuras nítidas, escultóricas, con dos espacios en sus cuadros (terrenal y celeste), pintor de blancos de hábitos y de “bodegones de cuaresma”.

b.      Bartolomé Esteban Murillo. Fundador de la Academia de Pintura sevillana. Tiene amplio taller con colaboradores. Sus temas son amables , buscan el fervor popular (Sagradas familias, Vírgenes Inmaculadas o con niño, Niños Jesús), con belleza, gracia y donaire, domina el dibujo y el color.

c.      Valdés Leal: pintor temperamental, con técnica de pinceladas sueltas y sin cuajar y formas llameantes y expresivas. Composiciones teatrales. Temas alegóricos y vánitas  (“Postrimerías” y “Ni más ni menos”)

d.      Alonso Cano: También arquitecto y escultor . Temas amables.

Foco de Madrid:

Diego Velázquez:

Pintor de cámara de Felipe IV y Aposentador Real. Dos etapas  principales: la sevillana de aprendizaje tenebrista, con temas populares y cotidianos, pocas figuras en interiores y de medio cuerpo y la madrileña influido por los pintores de las colecciones reales: el Greco, Tiziano, Rubens y los italianos tras dos viajes a Roma : Miguel Ángel y Rafael. Su obra es más compleja temática , compositiva y psicológicamente hablando.

    Características:

1.      La luz ilumina el aire (perspectiva aérea)

2.      Los colores no son opacos , sino luminosos por    dorados y plateados.

3.      Pinceladas  con colores sin mezclar y con forma dependiendo de lo pintado: larga y rotunda en telas y objetos, y corta y suave en piel, flores y sedas.

4.      Humor y ternura en su obra (bufones, reyes). Dobles lecturas (Coincidencias de la vida cotidiana y lo mítico (“Los bufones”, “La fragua de Vulcano”)

5.      Excelente retratista y paisajista.

Fco. Carreño y Claudio Coello serán continuadores de Velazquez y   pintores de cámara en la 2ª mitad del XVII.

COMPOSICIÓN Y PERSPECTIVA EN LA PINTURA

COMPOSICION Y PERSPECTIVA EN LA PINTURA

Íntimamente relacionadas e imbricadas son herramientas imprescindibles para el pintor a la hora de crear un espacio en la obra pictórica o cuadro .

Llamamos Composición a la  manera de  disponer las formas (elementos plásticos)en el espacio para que adquieran el significado que el artista pretende.

A lo largo de la Historia del Arte  el pintor ha tenido que ordenar los elementos en el cuadro  siguiendo cierta lógica y de acuerdo con las exigencias culturales y sociales de cada momento.

La composición da coherencia formal a la obra y debe tener algo (un nexo)  que sirva para lograr la unidad, que puede variar según los casos. Para lograr esa unidad o equilibrio los nexos más importantes son la armonía ,controlada  con la luz , el color, y  la proporción y la compensación de los pesos visuales (cualquier figura o mancha que atraiga la atención del espectador).Esta se aborda con el tamaño, color, colocación, tono, forma, tema…etc.

           

            Las principales composiciones que han usado los pintores a lo largo de la historia son:

En el Medievo :

• La composición axial o simétrica.
• La composición compensando las masas o tipo balanza.

En el Renacimiento :

·        La  composición piramidal o triangular (según tengamos en cuenta la utilización de la perspectiva o no)

A partir del Manierismo y, sobre todo, en el Barroco :

• La composición en aspa 
• La composición en diagonal

C.AXIAL

C.EN BALANZA

C. TRIANGULAR

C. PIRAMIDAL

C. EN ASPA

C. EN DIAGONAL

Apartir del  XIX  se han utilizado todas dependiendo de los artistas, estilos y vanguardias.

La Perspectiva es la manera que nos permite ver el espacio pintado según leyes racionales.

En el arte antiguo (egipcio, mesopotámico, cretense…) la ley de la frontalidad, figuras yuxtapuestas, jerarquías de tamaño , de posición , simetrías, simbolismo en los colores, etc. , hacían entender  el espacio del cuadro pictórico.

En el Medievo el espacio estará mas ordenado siguiendo unas reglas jerárquicas que igualan el mundo terrenal a aquél que creían que era el celestial según marcaba la religión cristiana. Esto es, un  espacio intelectual, divino, con una “perspectiva teológica· más acusada que en  el mundo antiguo.

En el Renacimiento y fiel a la idea humanística de que el  hombre es el centro del universo y la medida de todas las cosas la distribución del espacio se hace en función del ser humano. Todo tiene el tamaño que le corresponde según el lugar que ocupan en el mundo real . Imitando la naturaleza ya en el Trecento ( Giotto) se consigue  crear un espacio tridimensional pero no de una manera sistematizada.

Es en el XV cuando se busca una base matemática , científica , que eleva al pintor de artesano a artista (categoría superior  pues pasa de trabajador manual a intelectual) y se teoriza sobre ello. L. B. Alberti y Piero Della Francesca establecen las pautas para aprender la perspectiva lineal descubierta por Brunelleschi. Es una perspectiva central , que trata el espacio pictórico como si fuera la base de una pirámide y el punto de fuga  en el horizonte  el vértice .

En el mismo siglo, en el norte de Europa, los flamencos como Van Eyck, sirviéndose de la óptica (espejos) consiguen perspectivas curvas aunque sean incorrectas.

            A principios del  s. XVI la perspectiva lineal se complementará con la del color (sfumatto) y la llamada menguante (aplicación de la matemática a la figuración, es decir las figuras menguan cuanto mas se alejan)  gracias a los estudios de Leonardo da Vinci.

En la segunda mitad de siglo, gracias a las figuras escorzadas de Miguel Ángel y al desarrollo de estas por el Manierismo y la Escuela Veneciana de pintura se utilizarán recursos como anamorfosis (  efecto perspectivo que fuerza al observador a un determinado punto de vista preestablecido  desde  que un elemento cobra una forma proporcionada que en principio no apreciamos) , varios puntos de fuga en el  mismo cuadro , puntos de fuga fuera del cuadro que buscarán cada vez mayor dinamismo y convencer de aquello que no existe  tal cual en la realidad contraviniendo las leyes de la perspectiva.

Anamorfosis  en "Los embajadores"

En el Barroco se  busca el infinito, lo ilusorio, la indefinición, el movimiento, lo mutable . Se perfecciona esa perspectiva integrada del XVI dando lugar a la perspectiva aérea velazqueña.